Experiencias y prácticas creativas alrededor del vestuario

Texto publicado en:

Fernández, C. (2013). De vestidos y cuerpos (p. 9-21). Medellín: UPB.

“…ya es necesario que el tejido, el vestido, libere sus propios pliegues de su habitual subordinación al cuerpo finito. Si existe un traje propiamente barroco, ese traje será amplio, ola hinchable, tumultuosa, burbujeante, y, más que traducir los pliegues del cuerpo, rodeara a esté con sus pliegues autónomos, siempre multiplicables…”                 

Gilles Deleuze, El Pliegue.

Claudia Fernández-Silva

Mauricio Velásquez Posada

Contextualización:

La enseñanza del vestuario en nuestro medio es una labor reciente, producto de una emergencia de la industria y una pregunta por la profesionalización que detone desde la propia disciplina del diseño, reflexiones anteriormente asumidas por la sociología o la antropología, pero para la industria y la academia el paradigma de la moda domina la creación apoyándose en su idea de cambio y novedad; transformación de los signos en la sociedad. El vestuario por su parte sugiere un acto que enfatiza el proceso de cubrirse, o de trasformar la materia para que interactué con el cuerpo. Pero no solo es un cubrirse como quien se protege del clima o del contacto con otros “cuerpos” sino un acto que equivale a añadir capas de significados. Capas que transcurren de lo íntimo a lo social, dando forma a la manera como hacemos presencia en el mundo.

Es importante mencionar que para la construcción de los fundamentos de la enseñanza en la facultad de Diseño de Vestuario de la Universidad Pontificia Bolivariana, son convocadas personas que desde diferentes saberes: la arquitectura, el diseño industrial, el diseño grafico, la ingeniería, la historia, la sociología, la antropología, la medicina, conforman un cuerpo académico que estudia el vestido en todas sus dimensiones.

Somos herederos y a la vez transformadores de una tradición pedagógica que hace especial énfasis en la experimentación, en la cual participa un profundo conocimiento del yo y de las emociones en los procesos de creación. La asignatura procesos creativos busca conducir al estudiante en un espacio de reflexión y acción donde sea posible expandir la idea del cuerpo y el espacio a partir del límite, es decir, el vestido, al comprender sus raíces y razones de ser desde tres instancias: la superficie, la forma y el movimiento.

S u p e r f i c i e s

Las figuras del adentro afuera.

La superficie es el plano de contacto entre un objeto y el entorno. Es la carcasa, la envoltura, el umbral que nos acerca o nos aísla, que nos hace visibles o invisibles, que nos pliega y despliega, es la manera como participamos del mundo y somos percibidos en él. Agresiva, receptiva, impermeable, tierna, acogedora, impenetrable, transparente, fragmentada, pegajosa, seductora, impresionante, es la respuesta sensible a la interacción del cuerpo emocional y expresivo que somos.

¿Dónde termina nuestro cuerpo?, ¿donde comienza el vestido? ¿Dónde comienza nuestro cuerpo? ¿Dónde termina? ¿Dónde comienza el vestido? ¿Dónde termina el espacio?, son preguntas pretenden lanzarnos a una reflexión de nuestro cuerpo y sus limites, si realmente el límite de mi cuerpo es la membrana, la piel orgánica que lo envuelve, o es posible pensarlo como una cosa que se expande, que llena el espacio con su exuberancia, sus humores, sus fluidos y sus sentidos.

Cuando recorremos con una línea el borde de nuestro cuerpo, reconocemos su contorno, enmarcamos su anatomía y es precisamente a esa mancha con forma humana, a esa porción de vacio que encierra, la que llamamos silueta, cuyas características visuales y materiales incitamos a reconstruir con impresiones de nuestro yo interior y su relación con el mundo circundante. Lo que se propone es la creación de una piel que responda a esa interacción, que rodee el cuerpo en un juego coreográfico en el que se expanda, se contraiga, se aleje y se ciña, se retuerza, oculte y devele.

El estudio de la superficie como el límite que juega el papel de mediador  entre el cuerpo –espacialidad íntima– y el afuera –espacialidad pública, aborda una reflexión sensible a partir de una serie de prácticas experimentales, conducentes a transformar lo sensible en significante mediante del uso de materiales no convencionales en el ámbito del vestuario.

El resultado de esta exploración se convierte en una suerte de metáfora del yo expandido, dando respuesta a las cuestiones a cerca de los límites de nuestro cuerpo en el mundo y la visibilidad del mismo, al tiempo que indagamos acerca de la primera instancia constitutiva del vestido, la materia transformada, el textil.

F o r m a

Geo-morfos, el cuerpo como metáfora de lo geográfico.

¿Que ocurre cuando se mezclan los cuerpos geométricos con los cuerpos exuberantes que somos?

Los cuerpos emocionales y expresivos que somos se reúnen y mezclan con los cuerpos geométricos de manera siempre perturbadora: nunca el cuerpo dejará de regularse, convertirse en paisaje ortográfico, ambos se resisten afectándose mutuamente, juegan a no dejarse atrapar por el otro, y en este juego de mezclas espacio-temporales, de figuras gestuales y proximidades, los cuerpos se tocan, se golpean, se funden y confunden, intercambian materia, flujos y sustancias, se retuercen, dejan huellas, rastros, se inscriben, se aman y se odian.[1]

Para continuar con lo que hemos denominado una reflexión sobre las raíces y razones de ser del vestido, exploramos ahora los conceptos de forma y estructura en la relación espacio cuerpo. A través del trabajo con cuerpos geométricos (platónicos) y su interacción con el cuerpo humano, se pretende hacer emerger las exuberancias de las formas ortográficas, revirtiendo el proceso donde las formas no siguen a los cuerpos sino los cuerpos a las formas.

Realizamos esta exploración mediante la asignación de un concepto, que es interpretado a nivel de geometrías simples y volumetrías a parir de ejercicios con pliegues y papiroflexia que dan como resultado una serie de objetos de extrañas cualidades formales cuidadosamente trasladados al cuerpo, y es en esa relación donde se configuran, reconfiguran y desfiguran proponiendo formas inéditas del cubrir (vestir), otras relaciones con el espacio; “lo que resulta en que su ruptura con las formas del cuerpo soporte sea mas radical y su representación sintética sea mucho mas compleja”.[2]

Nuestro objetivo es motivar otras relaciones con nuestro propio cuerpo como paradigma del vestido. Lo que perseguimos aquí, no es más reproducir la topografía del cuerpo, sino redefinir su geografía.

A n i m o r f o s

La forma animada

El vestido entendido como  proyección de un cuerpo animado que le insufla vida, un ánima, cuya realidad dinámica va mas allá de la gravedad que opera sobre la materia y se hace sobre un cuerpo siempre en movimiento siempre en trance, caminando, danzando, trabajando, comiendo, durmiendo. Transformándose, permutándose.

Lo que se propone es una exploración de las figuras dinámicas del cuerpo vestido. La relación de superficie y forma no puede entenderse como un asunto escultórico, estático. El cuerpo actúa como motor que obra en el espacio del vestido-carcasa, lo modifica en su acción cotidiana con una secuencia ininterrumpida de gestos.

El estudio de esta última instancia se realiza a través de la indagación, observación y análisis gráfico de un movimiento elegido, que puede tomar como referencia un animal, una planta, ciclos de la naturaleza…etc. A partir de este análisis se realizan maquetas exploratorias donde se hace énfasis en la representación del movimiento, en su interpretación, no en su mímesis. Esta acción es trasladada al cuerpo propio mediante ejercicios de expresión corporal con el fin de detectar la nueva movilidad vestido cuerpo.

Al introducir nuestro cuerpo anatómicamente diseñado en los esquemas de movimiento de otros cuerpos, revelamos otras cualidades plásticas en el vestido, trasformando la forma dada y alterando la continuidad de la superficie, expresando su acción sobre y desde el cuerpo.

Conclusiones:

Quizás una de las tareas más difíciles en la enseñanza del vestuario es lograr desarticular la idea convencional del vestido como cosa que copia el cuerpo, conseguir que los estudiantes desaprendan y elaboren otras reflexiones a partir de la idea primigenia del cubrir. Para ello debemos expandir nuestra idea del cuerpo finito proveniente de nuestra concepción del espacio como un vacio.

A través de estas prácticas se busca aportar elementos que legitimen al estudiante como creador y artífice de propuestas inéditas de diseño mediante el uso de su inteligencia particular, valorando su experiencia personal como parte del proceso creativo. Para esto es indispensable que todos los proyectos en este nivel de formación sean construidos por ellos y portados sobre sus cuerpos, la experiencia de in-corporar el vestido es de vital importancia para la aprehensión de todas sus dimensiones materiales, funcionales y comunicativas.

En conclusión, proponemos una valoración del vestido como una experiencia emocional, vivida en cada una de sus partes constitutivas, de esta manera será posible reconocer al otro, su cuerpo y por ende sus deseos y necesidades, todas estas, ocasiones de respuesta para el diseño.

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[1] VELASQUEZ POSADA MAURICIO,  Expacios, espacios experimentales, Medellín 2008.

[2] SALTZAM, Andrea. El cuerpo diseñado, sobre la forma en el proyecto de la vestimenta. Editorial Paidós, Buenos Aires 2004.

Bibliografía.

SALTZMAN, Andrea. El cuerpo diseñado. Sobre la forma en el proyecto de la vestimenta. Buenos Aires: Ediciones Paidós, 2004.

ENTWISTLE, Joanne. El cuerpo y la moda, una visión sociológica. Barcelona: Editorial paidós.2001.